Resucitar la música en vivo en la ‘nueva normalidad’: Un reto nada fácil de afrontar.

FRANK TURNER EN SU REGRESO A LOS ESCENARIOS

Es imposible de ocultar, la Pandemia ocasionada por el Covid-19 sin duda tomó por sorpresa al planeta entero y una de la industrias del entretenimiento que se vio forzada a desaparecer prácticamente de la noche a la mañana fue la de los conciertos y música en vivo, pues realizarlos se volvió algo imposible, situación que hoy en día, continúa afectándonos a todos. Sin embargo esta nueva realidad ha permitido que en países como Inglaterra surjan iniciativas de artistas de enorme calibre como Liam Gallagher, Dua Lipa o el mismísimo Sir Paul McCartney, quienes junto a otros 1,500 músicos, a través de una carta abierta han abogado por el apoyo de la música en vivo en el Reino Unido durante este complicado 2020.

La carta también la rubricaron artistas de peso completo como Ed Sheeran, The Rolling Stones y Coldplay, quienes se dirigen a la secretaria de cultura de aquella nación, advirtiendo del impacto que la crisis sanitaria tendrá en los artistas y lugares donde habitualmente son realizados cientos de conciertos al año.

El documento habla de las “insolvencias masivas”, que ya han comenzado ha sentirse en todos lados, pues la posibilidad de tener conciertos y festivales con audiencias absolutas, se espera según la mayoría de los expertos en el tema, que sea algo que pueda suceder hasta ya bien entrado el año 2021, cuando se prevé se tenga ya una vacuna lista a gran escala, en gran parte del mundo.

No es ningún secreto que la industria de la música en vivo ha sufrido grandes perdidas económicas a lo largo de estos meses, con altísimas tasas de desempleo en diversas ramas: desde la gente que trabaja en los diversos venues (seguridad, afanadores, personal de limpieza, etc.), hasta agencias y promotores de nivel internacional, que se la han visto negras para poder continuar haciendo su trabajo en un mundo sin conciertos.

La carta dirigida a Oliver Dowden, secretario de cultura, explica que el futuro de la industria luce muy oscuro aún y solicita apoyos económicos para los empleados que dependen de ella, así como también un plan realista de como comenzar a lograr a tener conciertos, aunque sea con una audiencia reducida. 

Dua Lipa, por ejemplo, expresa que se encuentra muy orgullosa de haber comenzado su carrera en clubs pequeños y lugares para artistas emergentes, por lo que entiende bien la difícil situación de tantos artistas a nivel mundial y la gente que trabaja en estos lugares.

Añade que, “la posibilidad de que otros artistas británicos emergentes tomen el mismo camino está en peligro si la industria no recibe el apoyo gubernamental que tanto necesita en el período intermedio antes de que todos los lugares, festivales y promotores estén listos y puedan operar de forma independiente nuevamente. "

El ex vocalista de Oasis explicó por su parte, que la necesidad de apoyo a la industria es necesario, quitando el impuesto a los boletos en conciertos con distanciamiento social, pues explica que "los conciertos increíbles no ocurren sin un equipo increíble detrás del escenario, pero todos se quedarán sin trabajo a menos que podamos volver a hacer lo que amamos”.

Es un hecho que los conciertos masivos como los recordamos hace apenas unos meses, hoy son aún un sueño distante pues expertos en la industria como el mismo co-fundador del legendario festival Lollapalooza en Chicago, Marc Geigher, coincide en que para que  las cosas regresen a una relativa normalidad, falta todavía un buen trecho, (vaticina incluso el 2022 como fecha realista).

Y para muestra una botón: el caso de la banda norteamericana Smashmouth fue bastante sonado apenas el mes pasado, pues ignorando absolutamente todas las recomendaciones sanitarias de los expertos, decidieron realizar un recital para miles de fanáticos en el Sturgis Motorcycle Rally en el estado de Dakota del Sur, sin ningún tipo de distanciamiento social. 

“Que se joda el Coronavirus, hoy estamos reunidos todos aquí esta noche.”, expresó desde el escenario el vocalista de la agrupación. ¿El resultado? Mas de cien infectados confirmados que asistieron y miles de emails de odio que fueron enviados a la banda en días posteriores.

La solución más próxima parece ser entonces intentar realizar conciertos, tratando de buscar respetar al máximo las medidas sanitarias, o eso es lo que ha comenzado a suceder en países como el citado Reino Unido.

Tal ha sido el caso del cantante y compositor Frank Turner, quien aprovechó que el gobierno en dicho país escuchó la petición de los artistas y desde hace unas semanas comenzó a permitir actos en vivo nuevamente. “Se suponía que la audiencia no debía cantar”, explica Turner, debido al peligro de propagación del coronavirus. “Si la multitud empezaba a alzar la voz, tenía que decirles cortésmente que se calmaran, lo que realmente va en contra de mi instinto de actuación. Incluso traté de "tararear" en un momento “. Una situación sin duda inusual para cualquier artista acostumbrado a tener a miles de fanáticos coreando sus éxitos cada noche.

Sin embargo, el riesgo de contagio y no poder corear canciones en vivo no son los únicos problemas que encaran los artistas en este regreso a los escenarios, el mismo ministro Oliver Dowden anunció ayuda financiera para diversos recintos y auditorios de música, buscando apoyarlos a solventar la crisis, pues los conciertos que se lleven a cabo a partir de ahora y hasta que nuevas medidas sean anunciadas, deberán seguir estrictos protocolos sanitarios y de distanciamiento social, lo cual se traduce en logísticas más caras y una menor venta de entradas, para evitar los peligrosas aglomeraciones de fanáticos al interior de los recintos.

Keiron Marshall, promotor de conciertos en el sur de Londres, explica que estás nuevas medidas han permitido realizar conciertos con apenas el 18 por ciento de capacidad, para lugares que pueden albergar hasta 250 asistentes, con apenas 47 personas permitidas al interior. 

“El distanciamiento social no significa que se divida el espacio en metros cuadrados”, explica. “Significa operar de forma segura con todas las mesas reservadas. Si todos los asientos estuvieran reservados en burbujas sociales, tal vez podríamos tener 60 personas en la puerta, pero no se puede discriminar a alguien que llega solo o viene en pareja que ha reservado una mesa para cuatro. Y con nuestro servicio de mesa de operaciones en el lugar por primera vez, la capacidad se reduce aún más “.

Sin embargo, no son solamente los venues más pequeños los que se encuentren sufriendo para adaptarse a esta ‘nueva normalidad’: "Todavía no sabemos cuándo se levantarán las reglas para que las presentaciones en vivo incluyan a todo el público", dice Louise Halliday, directora de asuntos externos del Royal Albert Hall. “El gobierno nos ha dicho que van a revisar las reglas de distanciamiento social en noviembre, pero el esquema de retención de empleo termina en octubre. Esa es una brecha realmente peligrosa para nuestra industria”.

Con el distanciamiento social la capacidad del recinto se ha reducido también a tan solo un 36 por ciento, cuando normalmente para considerar una ganancia para todos los involucrados en un evento, es necesario contar con al menos un 80 por ciento de venta en las entradas, según sus cálculos. 

“Estamos tratando de planificar eventos y recuperar a todo nuestro personal sin saber cuándo volveremos a las operaciones normales. Y si hay un segundo brote y tenemos que cerrar nuestras puertas nuevamente, no vamos a estar asegurados. Así que el riesgo de organizar eventos, incluso cuando se elimina el distanciamiento social, es enorme.”, aclaró.

Volviendo a Frank Turner, su concierto resultó ser el primero en el Reino Unido en realizarse bajo estas nuevas medidas sanitarias, y en sus propias palabras describió la experiencia atípica como “maravillosa pero extraña y profundamente conmovedora”, aunque admitió sin reparo que esta solución no es de ninguna forma el milagro que salvará a la música en vivo, como quizás algunos sueñan ya. 

“Tan divertido como fue, tan conmovedor como fue, y tan importante como fue hacerlo, este no es un modelo que iba a salvar lugares o presentaciones en vivo”, detalla Turner.

Plantea también, que “lo que parece suceder una y otra vez, ya sea que tenga que ver con el concierto que hice en el Grand o las conversaciones que he estado teniendo sobre tratar de organizar espectáculos de campamentos al aire libre socialmente distantes, es la gente del gobierno que está tomando estas decisiones tienen casi cero conocimiento o comprensión de cómo funciona la industria del entretenimiento ".

Esta teoría la reforzó la propia manager del Clapham Grand, Ally Wolf, recinto donde Turner realizó su recital, pues ella piensa que aunque se ha logrado “abrirnos para una presentación en vivo, este no es un evento precedente para nuestra industria. Todavía se necesita más apoyo".

Dicho apoyo fue también exigido durante días pasados por trabajadores de la industria de eventos en vivo en aquella nación a través de la campaña #RedAlert, exigiendo a través de protestas en las calles, aún más apoyo por parte del gobierno pues la gran mayoría de los recintos simplemente no están logrando suficientes ganancias como para darse el lujo de traer de regreso a todo su staff, menos aún pagarles un salario digno de su esfuerzo y talento. 

Wolf concluye que su industria brinda un valor enorme a la economía, pues otorga trabajo a la gente y encima experiencias de entretenimiento únicas. “Hay una gran cantidad de aspectos positivos asociados a lo que hacemos, y no solo a la música en vivo, todos los lugares que ofrecen todas las formas de entretenimiento. Tenemos que reconocer eso “.

Es un hecho que la situación que atraviesa actualmente el Reino Unido es muy similar a la del resto del mundo, donde aún se siguen probando nuevas ideas que ayuden a los artistas a tratar de recuperar el espacio musical en vivo que fue arrancado de tajo por la Pandemia: desde conciertos en modalidad virtual (pagando una cuota por ver el evento desde casa), hasta algunos que lo han hecho a través Drive-In con automóviles (como el realizado hace poco por artistas como Moderatto, en nuestro país). 

Sin duda las ideas y experimentos continuarán, tratando no solo de devolverle la dicha a los fans y volver a escuchar a sus artistas favoritos en vivo, sino también buscando que la enorme cantidad de trabajos, grandes y chicos que dependen de esta titánica y hoy herida industria, puedan seguir teniendo manera de subsistir.

Todo esto, por supuesto, mientras continuamos añorando, que más pronto que tarde, volvamos juntos en todo el planeta a tener la oportunidad de disfrutar, coreando a todo pulmón y en medio de una multitud, la experiencia mágica de la música en vivo, realidad mística y sin igual que nos une como especie desde hace miles de años y que lo continuará haciéndolo por miles más, pues de eso estamos todos seguros.

(TEXTO PUBLICADO ORIGINALMENTE PARA https://www.gunkmusicmag.com/)

El genio de RuPaul's Drag Race (o el brillante no conformismo, a dejar de creer en nosotros mismos).

Sin miedo a equivocarme, estoy bastante seguro que al menos uno de los pocos placeres ocultos que ha logrado traernos el obligatorio confinamiento a nuestras casas durante este extrañísimo y desmotivado 2020, ha sido la constante necesidad de sentirnos con derecho a ocupar nuestras mentas ansiosas y llenas de angustia, con contenidos diversos y casi infinitos, que hoy por hoy nos ofrece el entretenimiento digital del siglo XXI.

A veces pienso en que si la pandemia hubiera sido en el año 2000 y no en este 2020, ya estaríamos bastante hartos de ver los mismos cincos casetes en VHS y alucinaríamos tener que volver a ver las mismas escasa opciones una y otra vez, ad naseum. En mi caso estoy seguro ya estaría viendo Scream y Jurassic Park por quincuagésima ocasión.

No obstante, el panorama para casi todos es afortunadamente mucho más alentador y por singular suerte nos tocó estar encerrados sobreviviendo a un mortal virus global, en la era más prolífica y variada del entretenimiento audiovisual de la historia humana y esto en mi caso y quizás en el tuyo también, me ha permitido adentrarme en libros, series y películas, que quizás en cualquier otra circunstancia, no habría tenido forma de atreverme conocer, pero sobre todo apreciar y disfrutar al máximo.

Sin más preámbulos, un caso muy específico para mí estas últimas semanas fue que través de Netflix, logré descubrir de forma clara lo brillante y único que es el reality show concebido, creado y presentado por el actor, modelo, canta-autor, escritor y sultán de las Drag Queens en todo el mundo, RuPaul Andre Charles, mejor conocido simplemente como RuPaul para el resto de los aburridos mortales como yo y tal vez tú también.

Lo digo sin miedo a equivocarme: Aunque por mucho tiempo escuché sobre lo singular y atractivo de su show insignia 'RuPaul's Drag Race', jamás en el pasado me sentí interesado en investigar a fondo porque existía una la fascinación cultural con algo que distancia es más fácil juzgar como un ofensivo show para espantar mochos, panistas y abuelitos persignados, que de verdad buscar trascender de forma bastante inteligente como en realidad lo hace, no sólo dentro de los parámetros de lo que es considerado entretenido para el formato, sino mucho más allá: Inspirar a cualquiera (y de verdad digo a quien sea), a jamás quedarse satisfecho ni conforme con el desarrollo íntimo de la personalidad que nos da identidad plena en este bonito caos llamado estar vivo.

Pero sobre a lo que buscamos a veces de forma silenciosa y poco atinada proyectarnos de forma sincera ante el mundo y su a veces casi inamovible status-quo. Sin importar en lo absoluto nuestro género, preferencia sexual, color de piel o condición socioeconómica.

Si crees que ya perdí la cordura por no poder salir de mi casa en tantas semanas, créeme que estoy completamente cuerdo al otorgarle mi absoluto respeto y admiración a un show que a simple vista podría parecer no querer más que escandalizar al más conservador de los padrecitos.

Si sigues sin entender mucho, te explico brevemente la premisa: Drag Race pone a competir a diversas personalidades con total visión artística pero sobre todo muy femenina a las participantes, conocidas coloquialmente como Drag Queens: Que en realidad, no son más que hombres que dedican casi su vida completa a lograr el escapismo social de transformarse en mujeres completa y totalmente. 

Pero bueno sin ahondar en tanto detalle, el rollo aquí se trata de básicamente de que compitan entre ellas de manera individual, tras el momento en que transforman al convertirse en su su versión drags, al asumir su papel de manera total, buscando ser irreverentes, originales y divertidas, pero siempre de forma chusca y sin duda original. La serie es bastante similar en cuanto a formato y edición, pero con con curiosos excesos que son más sutiles que alarmantes, aderezando encima con un toque familiar pero sorpresivo de glamour hollywoodense.

Sin buscar detallar más ni querer entrar en terreno de spoilers, el contexto lúdico no es en sí más que un reality técnicamente bien realizado, pero que pretende y logra ir mucho más allá de eso, casi siempre con un contenido y mensaje muy inteligente, pues es a través de diversas pruebas de personalidad, estilo y talento artístico, que RuPaul decide quien es es la Draga mayor y absoluta, y quien al final de temporada tendrá el privilegio y honor de ser vista como la más autentica y admirada de todas, sobre todas por las otras ardidas que no ganaron.

Antes de creer que me llama la atención ser Drag Queen, lamento informarte que no va por ahí el asunto, no me imaginaría ni en ni el peor mal viaje de LSD, vamos si quiera usar una peluca o todavía peor: maquillarme de forma tan minuciosa y detallada mis facciones faciales. Simplemente no es algo que me llame la atención explorar de forma individual, no es lo que trato de contar aquí.

Lo que si confieso sin reparo ni pena es que al otorgarle una oportunidad (no llegue ahí solo, pues quien me recomendó verla es alguien cuyos gustos y aficiones considero espectaculares y totalmente confiables), es que logré apreciar de manera muy especial lo que busca mostrar, al empezar a entretenerme de forma, primero culpable, pero después completamente gratificante, con cada nuevo capítulo que ví de las primeras tres temporadas (creo que ya van en la 11).

Sin embargo, lo que me interesó fue un detalle muy particular y especial que necesito explicar y detallar, pues aunque el estilo y formato guarde similitudes claras con las de cualquier otro reality, es en los clásicos cortes a entrevistas con las participantes, pero en su modalidad de seres humanos comunes y corrientes (es decir, sin disfraz de mujer, sin pelucas, diamantes, tacones altos, ni glamour), lo que de verdad capturo mi interés y me dio un inesperado golpe de autoconfianza, sin buscarlo de verdad en los absoluto.

Lo que trató de explicar, es que al ver la forma tan particular en la que las entrevistas de los participantes contrastaban de forma opuesta con sus alter egos en modalidad de Drag Queen, noté un detalle muy especial que me dio a entender claramente, que es lo que hace diferente a este concurso/show de cualquier otro: Es la capacidad de lograr generar suficiente fortaleza mental para que al verlo, jamás puedas volver a tener miedo alguno a querer desarrollar y explorar constantemente quien eres y lo que quieres proyectar tanto a en tí mismo, como en todos los que te rodean en tu entorno.

Dicho de otra forma, es en los momentos cuando los participantes justifican durante las entrevistas la acciones de sus personajes glamourosos y femeninos, que uno casi inmediatamente capta como contrastan las personalidades entre el personaje de la draga y el individuo común y corriente.

Quizás piense que estoy mal y estás en todo tu derecho, quizás sea solo un detalle que a muchos les costaría trabajo aterrizar en un plano de empatía real, pero yo logré llevarlo a uno particular y confiable, el de la de ñoñez.  El cual me permitió ubicar claramente porque la necesidad de creación y desarrollo de un personaje ciertamente ficticio pero sin duda más profunda, les permite llevar a sus susodichos alter egos a un estado de confianza y absoluta realización como seres humanos plenos y felices, en mi caso me refiero aquí específicamente a los malditos y hoy tremendamente populares súper héroes de los cómics, el cine y la TV, que han sido muchísimas veces quienes me inspiran a creer e imaginar siempre, desde que era un chamaco con dientes de leche.

De verdad no exagero ni busco ser pretencioso cuando digo con honestidad que es admirable, pero sobre todo muy inspirador, ver que aunque yo no comparta la afición por usar tacones y vestidos como ellas/ellos, si conecté de forma rápida con la oportunidad que la creación de un personaje alterno les da: No es algo más que la un chance de poderse volver a reinventar como seres humanos.

Sin miedo a prejuicios, estigmas o lineamientos sociales, que a veces nos carcomen la confianza y el autoestima sin darnos cuenta y nos derrotan cruelmente, antes siquiera atrevernos a intentar a vivir.

Las drag queens encontraron una forma de darle al blanco en materia filosófica y revertir sus traumas, pues es tremendamente loable que con su forma de ser al transformarse en ellas: Construyen y complementa el pedazo de personalidad que la sociedad no les permitió ser a fondo, cuando alguna vez en su pasado quizás lo quisieron y fracasaron. Pero es a través de maquillaje, botas y faldas cortas, que logran encontrar a través del show de RuPaul como medio catalizador y exponencial, lo que logra hacerlos sentir que mientras son drags plenas, tienen forma de explorar al mundo de una manera distinta y gritar a todas luces que su existencia importa, sin importar lo que opinen los demás.

Menciono el caso específico de los super héroes, pues como dije, a mi me remitió a eso de forma casi inmediata: A través de su personalidad alterna ellas logran desenmascarar quienes son por dentro y de alguna manera liberarse física y mentalmente de la negación y el miedo a querer ser más, a través del quizás sencillo pero muy valiente hecho de atreverse a crear un personaje de invención completamente propia y personal, que les logra dar esa segunda oportunidad en la vida. De por fin intentar ser todo lo que normalmente uno no puede ser por los mismos trabucos, tabúes y convenciones que a veces nos trata de hacer creer e imponer la propia sociedad.

En un ejemplo completo aterrizado a mi realidad de ñoño, no me costo trabajo relacionar las concursantes de RuPaul con un tímido y retraído Peter Parker en los cómics de Marvel. Un desesperante teto nerdo que no logra ligarse a una chava ni para salvar su propia vida, pero cuando se pone la máscara y se convierte en el sorprendente Spider-Man, (más allá de los super poderes radiactivos), alfora de forma total el otro lado de su personalidad: Se transforma por completo en un tipo elocuente, irreverente, muy care free y siempre seguro de sí mismo y lo que debe hacer para conseguir lo que quiere...

Sin ir más lejos y no profundizar de forma absoluta en la filosofía positiva de lo que para cualquier ser humano con ganas de seguir reinventándose y descubriendo que y cual es su lugar en este planeta, dicho de forma sencilla es lo que siento que sucede con las drags que concursan en RuPaul's Drag Race. Es sencillamente una oportunidad para reinventarse y enseñar otra faceta distinta de su personalidad y forma total de proyectarse ante el mundo.

Quizás la lección detrás, es que el empoderamiento genuino que les otorga transformarse en Drag Queens, es como repito, muchas veces lo que yo he encontrado en la dualidad que forman el lado de la personalidad que casi siempre mostramos y el otro más oculto, que muchas veces solo quiere salir a demostrarle al mundo de que está hecho en verdad, como sucede también con Eddy Brock cada que se convierte en Venom, valga la ñoñez de mi analogía.

No dudo  que más allá de lo divertido y chusco que puede resultar el show para cualquier audiencia, lo que más capturó mi atención es la invaluable lección de confianza y auto estima que debe dejar a cualquiera que haya dejado de creer que nunca es tarde para dejarse de reinventar, para creerse Spider-Man, para sentir que si  un RuPaul metafórico, al menos te da la oportunidad,  todos estamos siempre con derecho absoluto de seguir explorando como nos sentimos y nos respetamos, pero muy por encima: como queremos que el mundo nos perciba y reconozca como individuos únicos e irrepetibles a nuestra manera.

A lo mejor no coincidas conmigo y más bien creas que el encierro me ha hecho delirar y escribir cosas absurdas, pero gracias a este desesperanzada y casi siempre confusa cuarentena, hay de pronto pequeñas recompensas difíciles de discernir a primera vista y una de las mías, fue poder descubrir y disfrutar un programa de TV que jamás en la vida hubiera entrado en mi radar, sino hubiera sido por las circunstancias actuales que no toca vivir ahora.

La lección al final del día que dejan las Drag Queens de RuPaul para mi es bastante sencilla pero sobre todo reconfortante: No importa quien seas, de donde vengas o los miedos que a veces sientas que son el escudo que te protege de que la sociedad te lastime. Jamás es tarde para buscar terminar de desarrollarte como ser humano, pero sobre todo jamás será tarde para creer que siempre estás a tiempo y en total momento de terminar de entenderte, pero que el mundo entienda y respete quien  y como eres, porque te los debe, por que tienes derecho a sentirte feliz de que estás todavía aquí existiendo.

Hoy y ahora, son los mejores momentos para empezar a volver creer que todo es posible mientras no dejes de creer en todo lo que muchas a veces ya no es imposible volver sentir, pero pocas nos atrevemos a demostrar.

Ojalá tu también estés encontrando detalles efímeros en las cosas que hoy más que nunca nos hacen en creer en la humanidad y este futuro medio incierto para todos, aún.

Para mí fue toparme con algo que jamás creí que me daría esperanza: Un show de drag queens con atuendos provocadores y exóticos, quienes sino te inspiran al menos un poquito te prometo, lograran provocarte bastantes risas.

No es difícil descifrar porque RuPaul se sabe un genio y el mundo entero se lo ha sabido reconocer.

Y pues digo, si el se la creyó ¿por qué no te la vas a empezar a creer hoy tu también?

La extinta SSP

Tengo casi 120 hojas de un guión que se llama 'TENANGO", hay un tratamiento de hace años que acabo de encontrar, donde algo así hacía y empezaba la historia, me cago de risa, porque ya no va por ahí....

"Me acuerdo perfecto. 16 panfletos bien doblados y doblando mi mente. La extinta SSP. Yo que iba a saber, después de todo Papá Gobierno sabía que era mejor para mí. Me explico un poco: Lo que la estúpida propaganda anti todo, detonó en mí una puta enredadera..... Me leí todo un viaje en el asiento de olvidado camino a Cuernavaca, lo leí porque estaba confundido y fascinado... tenía en mi poder: la información absoluta..."

Zafira

Reconozco, y acepto que te hayas ido. Más no admito, que tan súbitamente hayas querido dejarnos a todos a la deriva.

Me explico…

Llegaste a nuestras vidas de forma mundana y poco invitada. Hoy no pudiste irte sin agregar más que un último favor a tus hermanos a tu ya poco probable, casi perfecta, pero efímera existencia. No me mal entiendas. Sencillamente te amo por haber hecho de tu vida un bastión de necesidad en la incansable búsqueda de lo hermoso. Voltearte a  ver siempre fue un halo de luz en medio de sombras. Nunca quedará oculta tu memoria. Tu tenue mirada. Tu genuina y particular forma de haber dado valiosas enseñanzas sin siquiera buscar recibirlas. Tu forma tan noble de entender la existencia,  y sin querer contagiar a todos de ella.

Nunca te menosprecies…. Eres la amalagama que unificó a toda una familia.

You’ll always be my prize fighter…

all filler no killer...

Ahí voy de cursi otra vez...

No está cagado lo que pasó hoy... mis obsesiones mentales me han llevado ha pensar que en realidad no necesito preocuparme por más cosas en la vida. Te necesito, más que nunca. Te necesito conmigo, queriéndome, haciéndome sentir vivo, concentrándome en lo que me atiene, apreciando lo que si me concierne, amando lo que tengo que apreciar. Te necesito muchos años más, te necesito para verme triunfar. Te necesito porque te debo todo. Te amo como a nada. Eres todo el ejemplo que todo individuo quisiera tener. Yo soy el aprendiz a veces cagado, que no todo tendría la paciencia de querer entender (o la remota casualidad de no querer siquiera concebir). Te amo por todo.... por todo por lo que he has dado, pero más allá por todo lo que he me has mejorado... Todas las verdades irrevocables que te hacen la mejor persona que he conocido en mi vida: querer a tu familia, amar incondicionalmente a tus amigos, a las personas que iluminan tu existencia, a reír pendejeamente de un detalle y abrazarnos aunque se antoje incomodo y estúpido en más de una ocasión.....

Vivo para algún día poderte impresionar, vivo para que haya valido la pena todo tu amor invertido en mi, no lo hago como una deuda, lo hago como el más profundo cariño y sentido de satisfacción que tengo en mi vida. Quiero estar contigo muchos años más, quiero que veas que todo lo que siempre haz querido que seamos siempre lo hemos sido......

Life's a piece of shit, when you look at it...

Hoy por la mañana me enteré de una las noticias más trági-cómicas que haya leído en bastante tiempo. Ese tipo de cosas que quisieras haber visto mejor en una brillante comedia británica con  altas dosis de humor negro aderezando la situación y haciéndonos sentir relegados de culpa por reir.

Pero sucedió en la vida real: Richard Swanson un norteamericano de Seattle creyó que podría volverse la nueva sensación viral en internet y redes sociales haciendo algo simple: Driblar un balón desde su pueblo natal hasta la sede de la próxima copa del mundo en 2014, Brasil. El plan sonaba bastante alentador, de entrada un gringo interesado en el fut ya eso algo que llama la atención por sí solo, sin embargo la conmovedora historia personal de Swanson y el trágico desenlace hacen que nuestra apreciación por todo lo que es bueno y positivo en esta vida se pudra y prenda en flamas simultaneamente.

El hombre de 42 años, que durante mucho tiempo se dedicó a ser investigador privado (el espíritu aventurero al parecer siempre lo acompañó) y después intentó su suerte en el diseño gráfico, se encontraba con el suficiente tiempo y disposición para realizar una aventura de esta naturaleza. Comenzó los preparativos: abrió un canal de YouTube y una página de internet, además de dar entrevistas a medios locales para que todo mundo estuviera al tanto de su inminente y extenuante proeza futbolera que lo llevaría a recorrer 11 paises del continente pateando un balón y recolectando invaluables recuerdos en el camino.

Sin embargo a tan solo dos semanas de haber iniciado su recorrido, Richard falleció en Óregon, atropellado por un camión de carga. Su balón fue encontrado a unos cuantos metros de él.

Lo único que uno piensa al momento de leer esto es inmediatamente “Chale, pobre wey” pero quizás seguido de una inmediata sonrisa culposa al analizar lo increíblemente bizarro y cómico del asunto. Es sin lugar a dudas un acontecimiento trágico, pero el contexto y el pronto fracaso de Swanson a manos de un camión que le costó la vida, convierte todo la situación en algo que parece sacado de un guión de Guy Richie (menos mafiosos y balazos, más camiones y balones).

Según entrevistas hechas antes de partir, Richard sentía que era “su destinto” realizar este viaje. Habría que ver si sentía que ser arrollado a dos semanas y convertirse en un gag inmediato de internet por todas las razones equivocadas estaba dentro de ese plan (chiste forzado, pero hablar de "destino" siempre se me ha hecho ambiguo).

Hay que sentir profunda pena por la familia que Swanson deja, por el fracaso de una aventura que tenía todo para convertirse en una hazaña épica.  Pero también conmueve y mal viaja saber de un pobre hombre que por fin había encontrado algo de significado en la vida, todo para ni siquiera ser balaceado por narcos en la frontera mexicana o ser volado por una mina en plantíos de coca colombianos, no: Una pinche troca en la carretera casi saliendo de tu casa y adiós internet stardom, adiós gran hazaña deportiva, adiós Mundial y adios Mr. Swanson.

Como dijera Monty Python hace años: “Life’s a piece of shit when you look at it”. El ex investigador se sintió encomendado a enseñarle al mundo entero (y de paso claro volverse famoso) pero sobre todo a su país, que el ‘Soccer’ era mucho más que bostezos, faltas fingidas y pocas anotaciones: un fenómeno global, unificando razas y credos sin importar fronteras políticas o sociales, reales o imaginarias. Sin embargo el camionero que lo planchó aplicó la de “NOT ON MY WATCH YOU MOTHERFUCKER!” y dejó su balón rodando solitario a un costado de la carretera.

Casi puedo imaginar al tipo tocando su claxon provocativamente gritando “FUCK SOCCER YOU PUSSY!!! ’MERICAA FUUCK YEAH!!!" mientras que Swanson visualizaba su pelota perdiéndose en el horizonte al momento en que exhalaba su último aliento.

Moraleja: Esta pinche existencia no tiene sentido alguno. La tragedia de uno siempre será la comedia de millones.


Aquí Swanson en uno de sus videoblogs explicando las razones de su ahora trágica e irónicamente cómica aventura...

RIP Richard Swanson.

Los mejores discos del 2012

El 2012 tuvo mucho música chingona, tratar de clasificarla y ordenarla resulta algo absurdamente subjetivo y hasta cierto punto incoherente. A final de cuentas es arte y el arte significa algo especial para cada ser humano, de forma muy distinta. Por más mamatore que este último enunciado suene, es indudablemente cierto.

Sin embargo, hacer listas ayuda a capturar en la memoria de manera más sencilla aquellos pasajes que capturaron nuestra atención de forma significativa durante los 12 meses pasados. Además es una gran forma de compartir con la gente que uno quiere, las cosas que fueron relevantes en el aspecto musical de cada uno. Así que aquí están dos listas, que fueron para Jassirri y para mí los diez discos que más nos gustaron este año.

No falta mencionarlo, pero darle una oportunidad a cualquiera de ellos es garantía de algo chingón. Sino, pues lo quitan y ponen los clásicos de universal...............................................................

Los diez del año (en orden de importancia) para Jassirri):

10. The Shins - Port of Morrow
9. Breakbot - By Your Side
8. Poliça - Give You the Ghost
7. Alabama Shakes - Boys & Girls
6. Twin Shadow - Confess
5. The View - Cheeky for a Reason
4. Alt-J - An Awesome Wave
3. Jake Bugg - Jake Bugg
2. Kendrick Lamar - Good Kid, M.A.A.D. City
1. The Maccabees - Given to the Wild

Los diez del año para Jp (sin orden de importancia):

Fiona apple - Iddlers wheel
Frank Ocean - Channel Orange
Alabama shakes - Boys & Girls
Japandroids - Clebration rock
Grizzly bear - Shields
Cloud nothings - Attack on memory
Tame impala - Lonerism
Deftones - Koi no yokan
Jack white - Blunderbuss
Kendrick lamar - Good kid, m.a.a.d city

Cualquier recomendación será bien recibida en los comentarios.

Frohet Neuet!

The Rolling Stones: 50 años de satánica grandeza.

originalmente publicado en la página www.elfanzine.tv

The Rolling Stones: 50 años de satánica grandeza
Su historia resulta absolutamente reveladora: al analizar el origen de la banda de rock más grande de todos los tiempos, nos sumergirmos de lleno en la historia de un grupo de individuos que desde el comienzo antepuso el espíritu y esencia del rock and roll por encima de todo, logrando convertirse en la agrupación más longeva y exitosa de toda la historia de la música.

Por: Juan Pablo Castañeda // @phantomsoda

 Con más de 200 millones de discos vendidos, diez giras mundiales a los largo de cinco décadas abarrotando recintos en todos los continentes, sumado a más de 400 canciones editadas al público, además de innumerables escándalos y peleas, los Stones continúan representando como nadie la actitud rebelde, descarada y contestataria que ha logrado mantenerlos vigentes durante tanto tiempo. Su primera presentación, en el Marquee Club de Londres el 12 de Julio de 1962, introdujo a una versión bastante distinta de la banda, ya que de aquella primera aparición restan solamente Mick Jagger y Keith Richards como miembros fundadores de la agrupación. La leyenda cuenta que se les invitó a cubrir como invitados a un grupo que había cancelado de último momento. Las cosas sucedieron tan súbitamente que ninguno de los miembros había pensado en un nombre aún. Cuando el entonces guitarrista Brian Jones habló al periódico Jazz News para promocionar su presentación, le preguntaron cómo quería que los anunciaran y su reacción inmediata fue voltear a ver una de las canciones del LP, The Best Of Muddy Waters, que tenía a su lado y pronunciar a través del auricular las palabras: ‘Rollin’ Stone”’ (la ‘g’ y el ‘The’ serían añadidos posteriormente).

 Basándose en la clara influencia de artistas como Buddy Holly y Chuck Berry, comenzaron haciendo covers de temas clásicos del blues y R&B norteamericano sin siquiera imaginar por un momento la influencia que comenzarían a tener, logrando un sonido refrescante que poco a poco les comenzó a abrir las puertas hacia el éxito. Al firmar su contrato en Decca Records, y con la incursión de quien fungiría como baterista por el resto de su existencia -Charlie Watts-, los Rolling Stones se convirtieron en el estandarte de una generación que buscó desde entonces crear controversia y adoptar una actitud completamente retadora hacia el status quo que imperaba en la década de los 60’s. Consagrados como indudables estrellas de rock, se asociaron en los años siguientes con el productor norteamericano Jimmy Miller, con lo que lograron una alianza de proporciones extraordinarias, logrando durante este periodo lanzar los discos que a la fecha son considerados como los más grandes dentro de su carrera, y sin duda de los más importantes dentro de la historia del Rock & Roll: ‘Let It Bleed’ (1969), ‘Sticky Fingers’(1971), y ‘Exile On Main St.’, considerado por muchos su obra maestra (1972). Durante este tiempo la banda superó la fuerte crisis que originó el asesinato de varios fans a manos de los Hell’s Angels durante una presentación en el festival de Altamont, así como la misteriosa muerte de Brian Jones a unos meses de dejar el grupo. Sin embargo, la incursión de Ronnie Wood como nuevo guitarrista logró darle a la banda su formación casi definitiva.

 Durante las décadas siguientes, los Stones hicieron de todo menos dar señales de querer perder su espíritu rebelde y su capacidad para adaptarse a cualquier moda o tendencia musical que se impusiera en el planeta. Aunque los 70’s y 80’s estuvieron llenos de altibajos, tanto en su vida personal como en su éxito comercial, la banda jamás tiró la toalla y continuó haciendo música casi obligadamente. Ni los excesos y las drogas, o los pleitos constantes entre el guitarrista y el vocalista por el control absoluto del grupo, pudieron acabar con la mística conexión que los había unido desde un principio.

 A 50 años de haberse presentado por primera vez, la banda se juntó hace unos días de nueva cuenta, para una emblemática sesión de fotos en el legendario club Marquee. Aunque admiten que si supieran la fórmula de su éxito la mandarían embotellar, lo cierto es que con verlos juntos a tantas décadas de haber empezado a tocar juntos, el motivo por el que no se separaron resulta claro: esa actitud rebelde, esa sensualidad y discurso insolente jamás se fueron.

 Podrán ser considerados adultos entrando casi a la tercera edad, pero su energía y vibra musical se percibe sin duda más fuerte que la de cualquier otra banda que esté comenzando a tocar.

Metaficción al vapor.

Disclaimer: Cuento escrito en 20 minutos que aborda la metaficción, como ejercicio para la maestría en narrativa y producción.


Preso...

Tomé la hoja y comencé a escribir las formas en las que podía escapar de aquí. Había hecho la prueba trazando en las paredes grises, idea sencillas y de alguna manera las cosas tenían más sentido. Había empezado a recuperar la cordura, ya que los primeros seis meses en esta fría celda habían sido como seiscientos años para mí. No sabía porque estaba encerrado, no sabía si la lucha en la calles aún continuaba o si siquiera alguien se acordaba porque había empezado este conflicto. Desde la celda de esta carcel escuchaba a diario bombardeos continuos, explosiones lejanas y todo tipo de disparos que algunas veces alcanzaban a golpear las enormes murallas del complejo en el que estaba aprisionado. Recordaba poco de porque las cosas se habían puesto tan mal. Demasiado descontento social, muy pocas formas de reaccionar. Tomamos la calles y todo terminó se salió de control. Los pocos que sobrevivimos fuimos encerrados y callados para siempre, o al menos eso es lo que creyeron.

No había manera de comenzar a discernir lo que era real de lo irreal, tal vez la falta de luz o la poca comida que recibía cada tercer día habían hecho que comenzara imaginar situaciones que solo eran posibles dentro de mi cabeza, pero sabía que esa noche algo había sido distinto. La noche en que las explosiones no cesaron ni un instante, fue el momento en que tracé la palabra “SILENCIO” enorme con una pequeña piedra sobre uno de los muros de mi celda. En el momento que terminé de escribir, las explosiones cesaron. Silencio total. Como si de alguna manera hubiera sido yo de manera escrita quien hubiera comandado el cese del fuego desde mi fría habitación, la palabra se quedó iluminada a la luz de la luna y yo en una esquina me quedé en silencio, satisfecho de haber logrado algo. ¿Había sido real?

Durante las pocas horas a la semana en las que lograba convivir con otros rehos, contaba mi historia con gran orgullo. Sin embargo en un lugar donde la locura era el estatus normal de cualquier individuo, mi anécdota era de las más cuerdas dentro de esa oscura prisión. Esa noche que regresé a mi celda comencé a trazar una estrategia que podría fin a la guerra, el asesinato de líderes corruptos y autoritarios, el  lento regreso a una vida civilizada y justa para todos. Sueños que se antojaban imposibles desde donde estaba.

Pero todo comenzó a tener sentido a medida que pasaban los días. Todo empezó a volverse real, todo era verdad. Mediante algunos guardias nos enterábamos que las cosas empezaban a salirse de control para el régimen que nos había encerrado aquí. Líderes comenzaban a ser asesinados, movimientos insurgentes volvían a cobrar fuerza y de alguna manera la esperanza comenzaba a resurgir incluso en los que nos encontrábamos en la oscuridad total. Tomé la decisión de no confiarle a nadie que yo había sido en realidad quien había “ejecutado” desde mi celda todas esas acciones que parecían imposibles, pero que desde que habían sido escritas por mí se habían cumplido al pie de la letra. Mi celda se había vuelto poco a poco un mural lleno de grafítis que detallaban de manera precisa todo lo que había sucedido con el conflicto armado que aún se libraba en las calles. Era mi revolución, mi revolución personal desde este hoyo.

Fue una noche en que se reportaron disturbios en varios bloques, que encontré a una de los guardias inspeccionado a detalle mi celda. Parecía impresionado y al mismo tiempo impactado de toda la información contenida en aquellas paredes. Me quedé mudo, sabía que esto era motivo suficiente para que me fusilara ahí mismo. Mis ideas subersivas se habían vuelto realidad y ahora tenía enfrente de mí a alguien que estaba dispuesto a acabar con ellas de tajo. Abrió su abrigo y del interior sacó un pergamino y un pequeño lápiz. Me lo dió y me dijo, “Ten, traza tu revolución en esto y vuélvela realidad”. Se marchó y sonrió con culpa. 

Cuando comencé a escribir en esa hoja la forma en la que el movimiento insurgente tomaría la cárcel y nos liberaría a todos esa misma noche, mi mano comenzó a temblar. En el momento que solté el lápiz una gran explosión se escuchó desde afuera. Eran ellos. Habían llegado. La libertad por fin era nuestra. O quizás solo estaba alucinando.

War Horse o caballito de guerra (una reseña).

"How you doing?"

War Horse (Steven Spielberg, 2011)

por Juan Pablo Castañeda

Llegó lo más reciente de ese maravilloso director que por décadas nos ha dejado boquiabiertos con cada nueva película que presenta. El “Rey Midas de Hollywood”: tener su nombre en los créditos de cualquier producción (ya sea cinematográfica o televisiva) es sinónimo de garantía en entretenimiento y audiencias complacidas alrededor del mundo. Durante el año pasado, el aclamado director de ET no solo se dio el lujo de llevar a la pantalla grande el clásico de las historietas europeas “The Adventures of Tin Tin”(que ya se hizo acreedora a un globo de oro en la última entrega), sino que también se tomó el tiempo de rodar en Europa, contando una historia sobre la Primera Guerra Mundial, que aunque se pasa de melosa y demasiado cursi en momentos, tiene el sello de la casa Spielberg desde las primeras escenas emblemáticas de la rural Inglaterra al sonido del maravilloso “score” del también genio John Williams. ‘War Horse’ tiene sus fallas, pero Spielberg es capaz de poner en el centro de la película a un animal y contar una historia épica que logra trascender cualquier época.

Corren tiempos intranquilos en Inglaterra, la Primera Guerra Mundial está a punto de estallar: la historia trata sobre una pobre familia campesina que está a punto de perderlo todo, decidido a salvar a su familia el padre termina comprando a su propio caballo en un subasta en una lucha de orgullo contra su propio casero. El hijo se vuelve el encargado de criar al animal para poderlo usarlo en la siembra del huerto familiar, una tarea difícil pero que parecen destinados a completar debido a la entrañable amistad que logran entablar el muchacho y el animal. Sin embargo, cuando estalla la guerra todo cambia y el caballo es vendido a los militares. Ahora el hijo hará todo lo posible para pelear en el frente, defender el honor de su familia y país, más con algo de suerte, reecontrarse con su mejor amigo animal.

Es un drama con el sello de la casa Spielberg. El tipo sabe a la perfección como meternos a la historia y hacernos creer que está increíble amistad entre un caballo y un muchacho es en realidad algo que puede existir y que muchas veces puede dar ilusión y esperanza dentro de un ambiente tan crudo y áspero como es el de la guerra. Spielberg sabe a la perfección contar relatos de guerra: “Saving Private Ryan” continua siendo a estás alturas una barra que no ha podido ser pasada por nadie aún. Escenas como estás no se muestran con tanto grado de violencia en “War Horse” sin embargo las escenas son tensas y nos llevan de lleno a sentirnos atrapados en el frente de guerra sin ningún lugar al que poder ir.

Spielberg sabe que el caballo en su historia es un “Gran Turista”, en un circo sin sentido que parece ser está guerra. El animal logra pasar de un lado a otro del frente gracias a su excelente condición física e inteligencia. A través de la visión de una criatura inocente, el director trata de buscar sentido a un enfrentamiento físico que parece no tener motivación alguna entre los mismos soldados que la están luchando. Las sub tramas que se desarrollan a través del viaje de Joey (curioso nombre para un caballo en mi opinión) son igual de estremecedoras y reales que la historia principal: uno siente por está gente que de la nada ha sido arrastrada a un conflicto bélico con el cual no tienen ni un poco de simpatía.

Lo triste es que War Horse peca de cursi, hay un “prop” u objeto utilizado en la cinta que pasa de mano a mano a través de los años que dura la guerra y jamás sufre un daño (algo que hemos visto contado con mejor maestría en cintas como “El Violín Rojo”), y el hecho de que sepamos que el niño de la granja le jura a su caballo que algún día se reencontrarán hace pensar que Spielberg nos va a contar una historia que nos haga sentir bien sobre lo que significa sacrificar tu vida en nombre de tu familia y amigos desde mucho antes que rueden los créditos.

Spielberg admite que está es “la película más británica” que ha hecho en su carrera. Esto no se pone a duda, es sin duda alguna un verdadero drama británico (hecho por un judío de Cincinnati, Ohio) que brilla por sus actuaciones (tanto de animales como de seres humanos) y su brillante narrativa, algo anticipable de un monstruo hollywoodense como lo es Steven Spielberg. En general, recomendable para toda la familia, pero avísenme cuando Spielberg quiera contarnos algo más del estilo de “Private Ryan” pero ambientando en la también impresionante y violenta Primera Guerra Mundial.

Mis discos del año...

Hola. Tenía mucho que no me atrevía a poner algo. Había años en los que sentía la extrema necesidad de compartir una reflexión que ayudara a comprender lo que los últimos doce meses habían hecho con mi vida. Esta vez no. No me encuentro dispuesto a querer sintetizar lo que ha sido este año para mí. No tengo ganas de escarbar recuerdos, ni rescatar pasajes memorables. Este año no se trató de eso para mí. A final de cuentas aunque suene cursi, lo que jamás dejó de acompañarme fueron estos 30 discos, que conforman lo que más disfruté en cuanto a música editada en 2011 se refiere. Por más que las cosas cambien, mientras tu vida siga, tendrá que haber música que "adereze" cada momento de tu existencia, para bien o para mal. Al menos así lo veo yo.

pd. cualquiera de estos discos es garantía, así que si no han escuchando alguno, denle una oportunidad :)



The Vaccines - What Did You Expect From The Vaccines
Arctic Monkeys - Suck it and See
Girls - Father, Son, Holy Ghost
The Black Keys - El Camino
Bon Iver - Bon Iver
The Horrors - Skying
The War on Drugs - Slave Ambient
Miles Kane - Colour of the Trap.
Fleet Foxes - Helplessness Blues
My Morning Jacket - Circuital.
Battles - Gloss Drop
Foo Fighters - Wasting Light
Beastie Boys - Hot Sauce Committee, Pt. 2
PJ Harvey - Let England Shake
Tom Waits - Bad As Me
James Blake - James Blake
Kasabian - Velociraptor
The Strokes - Angles
Black Lips - Arabia Mountain
Kurt Vile - Smoke Ring over my Halo
SBTRKT - SBTRKT
Noel Gallagher’s High Flying Birds
Noah and the Whale - Last Night on Earth
Jay Z & Kanye West - Watch the Throne
TV on The Radio - Nine Types of Light
Das Racist - Relax
The Streets - Computers and Blues.
Friendly Fires - Pala
Cut Copy - Zonoscope
Fucked Up - David Comes To Life


frohet neuet...

Reseña: Beastie Boys - Hot Sauce Committee, Pt. 2

La legendaria tríada vuelve tras una larga ausencia con un disco que se aparta del puritanismo hip-hopero, ofreciéndonos más guitarras y batería con sampleos explosivos y distorsionados. 

‘Make Some Noise’ muestra que las elocuentes rimas de los neoyorquinos se disfrutan aún más con el paso del tiempo. ‘Don’t Play No Game That I Can’t Win’ a dueto con Santigold, con discretas alusiones al Dubstep confirma la versatilidad de la banda. Sin embargo es en ‘Lee Mayors Come Again’ con un poderoso riff punk que parece homenajear a su clásico ‘Sabotage’, cuando caemos en cuenta que la calidad individual de cada integrante sigue intacta. Tras superar el cáncer de garganta de MCA, los míticos MC’s regresaron rejuvenecidos. 

En lo más alto de su juego, los Beasties hacen sutiles referencias a casi toda su discografía. Sin descuidar por un solo momento el dinamismo en cada track, recordándonos que su música disfruta de una frescura y vigencia sin precedentes.

La distancia recorrida por Blur.

¿Qué es lo que de verdad motiva una reunión dentro de una banda? ¿Se trata de una forma generar dinero aprovechándose de la melancolía de sus fans? O quizás, simplemente una necesidad de sentir esa comunión que se logra cuando cuatro amigos se juntan para hacer lo que nacieron para hacer juntos, deleitando a toda una nación con su música, que de paso logró marcar de forma significativa a toda una generación.

Este es el preámbulo de ‘No Distance Left to Run’, el documental realizado por Dylan Southern y Will Lovelace que fuera lanzado en Febrero del año pasado en Inglaterra y mostrado ahora en México en la pantalla grande, como parte de la gira Ambulante.

Durante 104 minutos tenemos pases de primera fila para adentrarnos en el mundo de Blur, la icónica banda de Colchester, Essex que durante los noventas y principios de la década pasada maravilló a propios y extraños. Fundadores del movimiento denominado Britpop, la banda logró consolidarse como una propuesta distinta, dispuesta a redefinir el significado y papel de la música inglesa en el mundo.

El documental nos muestra el detrás de cámaras a profundidad, que corresponde a los meses posteriores de que se anunciara su reunión, donde somos partícipes de ensayos llenos de de nerviosismo y emoción, y una que otra fricción por aquello de los viejos tiempos. Esto después de hacerse público el muy anticipado concierto en Hyde Park el 3 de julio 2009 y casi de manera inmediata el segundo recital un día antes, luego de que todas las localidades se agotaran en apenas dos minutos, volcando todos los reflectores hacia una banda que aún estaba en el corazón de los londinenses. Esta reunión sería la primera con el guitarrista Graham Coxon después de que este abandonara a sus compañeros durante la grabación del último LP, Think Tank en 2002. Algo que se explica fue tomado como una especie de traición por el resto de la banda.

El enfoque de este trabajo audiovisual, nos permite hacer una retrospectiva de la turbulenta historia de estos ingleses: sus altibajos como agrupación (y a nivel personal también), su relación de amor-odio con los Estados Unidos, así como su aún legendaria “batalla” con Oasis por los primeros puestos de ventas y popularidad durante los noventas. Pero también nos adentramos en la relación a través de los años, de dos genios musicales que aún teniendo tan distintas personalidades y subsecuentes diferencias creativas, han trabajado como una mancuerna musical de proporciones extraordinarias, siendo polos completamente opuestos: Albarn y Coxon.

Quizás uno de los más grandes aciertos del documental, sea poder contar ambos lados de la historia sin dejar a nadie como el culpable absoluto de la partida de Coxon. Ambos argumentos hacen entender que en el fondo hasta las amistades más profundas pueden encontrarse con obstáculos que pueden parecer imposibles de afrontar, en un momento dado.

Al ir tejiendo la historia de dos compañeros inseparables desde muy pequeños, la película nos muestra por un lado, el lado frívolo de ambos (el vocalista preocupado por el éxito y su guitarrista queriéndose alejar de cualquier forma de lo comercial). Pero también los momentos en que han logrado conjuntar su talento en piezas que han alcanzado el estatus de culto, como Tender de su último álbum juntos y en el que Coxon tuvo total libertad libertad creativa bajo las seis cuerdas, ‘13’. Está última canción, es interpretada para cerrar su participación como headliners de Glastonbury 2009 (momento angular y lleno de emoción dentro de la película), ante un público rendido que corea cada ‘Oh my baby’ de Coxon como si fuera su último aliento.


‘No distance left to run’ hace alusión a una de las canciones del mismo álbum, en la que Albarn puso sus emociones al desnudo al transmitir el profundo dolor que sentía por la partida de su pareja sentimental, la ex Suede, Justine Frischmann. Coxon entonces menciona que fue en ese momento cuando se dio cuenta que Damon era un ser humano con sentimientos igual de profundos que los de el mismo. Aunque se agradece que se profundice en este tipo de aspectos, al saber que se trata de un documental supervisado y aprobado por la banda de principio a fin, se entiende que temas como el alcoholismo de Coxon y la experimentación con drogas como la heroína, por parte de Albarn, se toquen de forma bastante superficial.

Los otros dos miembros de Blur, Alex James (quien sintió la necesidad de explicarle a los fans lo ocurrido escribiendo sus memorias durante el descanso de la banda, en Bit of a Blur) y Dave Rowntree, se entregan con completa sinceridad ante las cámaras, durante sus intervenciones, mostrando las facetas más alegres de la banda, pero sin duda también los momentos de confusión y ambigüedad durante los años finales.

En ‘No Distance...’ somos partícipes del testimonio de cuatro músicos desenmascarando la historia de sus vidas. Con todos los altibajos emocionales y excesos que conllevan la vida de cualquiera que se aventura en el vertiginoso mundo del rock. Sin embargo sus testimonios logran dar cuenta de su inmensa felicidad al estar nuevamente juntos, ya que a sus cuarenta y tantos siguen teniendo la oportunidad de tocar al lado de sus mejores amigos.

Blur parece haber recorrido un gran trecho y este documental, con un enorme trabajo de fotografía y edición toca varias fibras sentimentales en su camino y se convierte en la mejor manera de mirar atrás pensando en lo que vendrá mañana, ya que la fraternidad dentro de la agrupación parece ser mayor que nunca.
“Todo venimos de familias con una hermana y sin hermanos, creo que todos nos volvimos nuestros hermanos postizos de alguna manera.” relata el baterista Rowntree durante una de sus intervenciones. Es en entonces cuando queda al descubierto la intención de la reunión: esto va quizás, más allá de los fans o el dinero, estos son cuatro amigos en busca de seguir pasándosela igual de bien que cuando estaban en sus veintes, o quizás por lo visto en este documental con ganas de pasársela aún mejor.